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El Fondo de Lanevera

Del 15 de septiembre al 5 de noviembre de 2022

Lanevera Ediciones es un taller de serigrafía artesanal ubicado en el barrio de Ruzafa, València. Especializados en la producción, venta y difusión de obra gráfica de artistas locales, compaginan su actividad con la docencia de la técnica serigráfica. El taller lo integran Rafa Mölck (València, 1986) y Jussi Folch (Alcàsser, 1982), ambos licenciados en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, donde se conocieron y empezaron a aunar fuerzas desde el primer día.

La muestra reúne trabajos realizados en el taller de Lanevera Ediciones desde 2019 hasta 2022 continuando con el espíritu de la exposición «Ilustración y serigrafía» que tuvo lugar en diciembre de 2018, que también mostraba los trabajos realizados hasta entonces en Lanevera Ediciones y que supuso en parte el germen de Lanevera Gallery.

Al igual que en aquella ocasión, tendremos la oportunidad de contemplar obra gráfica realizada tanto por Lanevera Ediciones como por alumnos suyos de los últimos años.

Podremos encontrar la obra de más de una veintena de artistas entre los que podemos destacar a los habituales y no tan habituales de la casa como pueden ser Lawerta, Coté Escrivá, Una Mesa, Esteso, Miguel Monkc, Rei.Kwk. Victor Visa, Pattern Chineso, Fátima Bravo, Javier Tortosa, Jotaká, Mik Baro, Jorge Romero, Peter Duffin, Ana Villalgordo, Yolanda Herrer, Vicente Aguado, Jussi Folch, Khu Khu London…

«El fondo de Lanevera» podrá ser visitada a partir del próximo jueves 15 de septiembre a las 19:00h y hasta el día 5 de noviembre de 2022 en le horario habitual de la galería: de lunes a viernes de 10 a 14 y de 16 a 20 h y los sábados de 10 a 14h.

Rosalía no actuará ni seguramente se pase a ver la exposición de la que no está al tanto.

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No es para tanto de Víctor Visa

Exposición individual de Víctor Visa

del 2 de junio al 30 de julio de 2022

Víctor Visa, quien inaugurara Lanevera Gallery con su primera exposición en 2019 e iniciara así un nuevo ciclo en el espacio que dirigen Rafa Mölck y Jussi Folch, vuelve el próximo 2 de junio con la muestra “No es para tanto”.

Licenciado en Bellas Artes por la UPV y Máster en Producción Artística, Visa ha ido dirigiendo su trabajo, desde aquella primera “Lugares comunes”, hacia el campo de la ilustración más puro, realizando encargos como: la imagen gráfica del Teatre Escalante, la Plaça del Llibre o la parada de metro de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, entre otros. Además, se ha introducido -y de qué manera- en el mundo de las fallas artísticas junto a Javier García, recogiendo el testigo familiar de García Ribas, pero con innovación y estilo propio. 

En “No es para tanto,” volveremos a encontrar espacios físicos e indeterminados, paisajes de corte surrealista y descontextualización de objetos y personajes que hablan de inercia colectiva y de falta de pensamiento crítico. 

Además de sus obras en técnica mixta sobre papel y en varios formatos, esta vez Visa nos ofrece serigrafías realizadas en el propio taller de Lanevera Ediciones. El mismo día de la inauguración, habrá un punto de estampación en el que observar y conocer de cerca esta técnica de reproducción de la obra de arte en serie y de manera artesanal. Junto a dibujos, pinturas y serigrafías, Visa expondrá sus primeras esculturas, realizadas a base de formas muy primarias, con las que continúa en su intención de frivolizar los símbolos.

La inauguración tendrá lugar el jueves 2 de junio a las 19:00h y la muestra podrá ser visitadas hasta el día 30 de julio en el horario habitual de la galería, aunque recomendamos venir por la mañana para no morir de calor.

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She de Fátima Bravo

Exposición individual de Fátima Bravo

del 13 al 28 de mayo de 2022

Fátima Bravo es una diseñadora e ilustradora portuguesa. Licenciada en Diseño de Comunicación por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Oporto (2013-2017), en 2018 se mudó a España. Estuvo realizando sus prácticas en el estudio y taller de serigrafía Lanevera Ediciones, lo que le ayudó a profundizar en el terreno de la ilustración. En ese mismo año se trasladó a Barcelona para estudiar Ilustración Digital en el Centro Universitario de Diseño de Barcelona BAU.

El próximo viernes 13 de mayo, Fátima Bravo inaugurará su primera exposición en València, en Lanevera Gallery, bajo el título de “She”.

“She” es una exposición en la que, como su propio nombre indica, “ella” es la protagonista. Pero ¿quién es “ella”? En realidad, existen dos “ellas”: la mujer y la naturaleza. Esta conexión es pieza fundamental en la obra de Bravo estando siempre muy presente en sus interpretaciones, pero también en su búsqueda por explorar nuevas técnicas y materiales durante el proceso creativo. 

Bravo nos invita a mirar las obras desde estas dos perspectivas, primero tomando a la mujer como protagonista y después a la naturaleza, haciendo que nos cuestionemos si su separación puede llegar a ser posible. 

Aunque se dedica prácticamente a la Ilustración, Bravo se deja influir mucho por el Diseño, tratando siempre de combinar lo mejor de las dos disciplinas en sus obras. El gusto por la naturaleza y el mundo animal es su mayor motivación a la hora de dibujar. 

“She” estará expuesta en Lanevera Gallery hasta el 28 de mayo y podrá ser visitada en horario habitual de la galería. 

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SACS de Multi Love (Enric Alepuz)

SACS va ligado a los productos comercializados a granel. Una exposición de sacos diseñados e ilustrados con diferentes estilos que, juntos, forman un universo entre pop y tradicional.

Pocas miradas se detienen a observar los diseños que estos sacos tienen estampados. Los productos que se venden en grandes cantidades parecen, por su idiosincrasia, estar menos cuidadas, pero en muchas ocasiones están diseñadas con ingenio y mucho cariño.

¿Se va a detener un albañil a observar el diseño de un saco de arena o de cemento? ¿O un repartidor que tenga que descargar kilos y kilos de sacos de arroz? Ya es suficiente con cargarlos.

Con estos sacos reposados y alejados de la mera funcionalidad, podemos hacer el ejercicio de apreciar su (virtud) estética.

Influenciado por los packagings y los letreros más tradicionales, Alepuz cubrirá las paredes de una galería de arte con detalles de nuestra cotidianidad que no solemos percibir.

El diseño y el buen gusto también pueden estar en los sitios donde nadie espera que miremos.

Enric Alepuz

Enric Alepuz (1986) es diseñador gráfico e ilustrador que vive y desarrolla su trabajo en València. Además de músico-baterista de los grupos Gener y Tórtel, es el director de arte de Tattoonie Temporary Tattoos, diseñador freelance, ilustrador de NFTs, y creador y diseñador de la marca de ropa Multi Love, nombre con el que se presenta en esta exposición.
Su estilo gráfico varía entre el concepto retro, el pop y lo freak. Sin encasillarse en una técnica concreta, Alepuz se va nutriendo del imaginario popular que le rodea, pero también del que le acompaña desde la infancia, intentando ubicar su mirada en aquellos lugares y cosas que resultan inadvertidos para ponerlos en valor.
La muestra “SACS” está basada en la estética y en la reflexión de la marca Multi Love. Con esta primera exposición, Alepuz nos ofrece su peculiar forma de trabajo.
La exposición podrá ser visitada desde el 7de abril hasta el 6 de mayo en el horario habitual de Lanevera Gallery.

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TALLER: Yo, mi sombra y mi máscara.

Como ya sabéis, siempre que clausuramos una exposición, proponemos un taller para poder tener un contacto directo con la artista de la exposición.

RESUMEN

Sábado 2 de abril de 2022
De 11 a 14 horas
Plazas limitadas
Precio: 25 €

El material está incluido y no hace falta saber dibujar ni nada de nada.

Yo, mi sombra y mi máscara es un taller donde se enseñarán algunos recursos, procesos y técnicas gráficas que Vicente Aguado utiliza en su trabajo, con el objetivo de acercarse a la idea y construcción del Metarretrato.

PROGRAMA

Presentado a modo de curso de introducción al dibujo del retrato, los asistentes al taller aprenderán las técnicas, modos, recursos, procesos y motivaciones para realizar retratos a partir de conceptos psicoanalíticos aplicados a la creatividad. El taller constará de varios ejercicios que se retroalimentarán entre el autor y los asistentes, quienes formarán parte activa del proceso e influenciarán totalmente en el resultado final, creando una atmósfera divertida, introspectiva y personalmente enriquecedora. Además, no hace ninguna falta tener conocimientos previos sobre dibujo. Si nunca se ha dibujado antes, mejor todavía! Tampoco hay ninguna restricción de edad, cultural, social, ideológica, económica, mental ni ninguna otra.

• Metodología.

Los asistentes contarán con todo el material necesario para el desarrollo del taller, lo que incluye diferentes tipos de papel reciclado, rotuladores, cinta adhesiva, tijeras, etcétera. La idea es familiarizarse con las técnicas utilizadas por el autor en su trabajo artístico. Se propondrán, de entrada, los siguientes ejercicios:

1 – PRIMERA MÁSCARA – Autorretrato: cada asistente dibujará, según su criterio y capacidad, su propio autorretrato, con un límite de tiempo de no más de 15 minutos. Escogerá el material que le apetezca, dentro de la variedad ofrecida en el taller. Una vez terminados, se comentarán entre todos para comenzar a identificar ciertas pautas de trabajo, realizando un análisis de los elementos, técnicas y razones de cada uno.

2 – SEGUNDA MÁSCARA – Retrato de un compañero: cada asistente dibujará, de nuevo según su criterio y capacidad, un retrato de otro de los asistentes, con un límite de tiempo de no más de 15 minutos y, de nuevo, con el material que haya escogido libremente. Una vez terminados, se comentarán todos para identificar ciertas pautas de trabajo, así como para ir introduciendo nuevas claves y sistemas con los que trabaja el artista.

3 – TERCERA MÁSCARA – Autorretrato conceptual: cada asistente escogerá no más de 10 palabras que crean que lo definen. Se trabajará, según las instrucciones del artista, para crear un autorretrato conceptual.

4 – CUARTA MÁSCARA – Metarretrato: el artista y los participantes realizarán un metarretrato, que se compondrá de la suma de la información, técnicas y conocimientos adquiridos en los tres retratos anteriores. Este metarretrato será la máscara final, producto del trabajo de todo el taller. De este modo, finalizado el taller, cada participante tendrá, como mínimo, un autorretrato hecho por sí mismo, más un retrato hecho por otro participante, más un retrato conceptual más un metarretrato.

• Objetivo:

Durante todo el proceso, se irán mostrando y explicando las técnicas y modos de hacer que utiliza el propio artista para realizar este tipo de retratos, que son muy característicos en su producción actual. Así, los asistentes podrán descubrir nuevas formas de trabajar, partiendo de conceptos psicoanalíticos como la máscara o la sombra, simbolismos y referencias de la cultura popular, con las que el artista trabaja a diario.

Materiales incluidos

Plazas limitadas!

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Vicente Aguado: Masked Society

Del 3 de marzo al 2 de abril de 2022

Masked Society (Sociedad Enmascarada) es un ejercicio reflexivo y crítico sobre el cambio drástico que está sufriendo la sociedad actual y que señala ciertos aspectos que, de una forma un tanto extraña y siniestra, se han hecho normales en nuestro comportamiento y en nuestra forma de relacionarnos con los demás. Tanto en el aspecto formal como en el conceptual, las máscaras ocultan, pero también destapan y otorgan nuevos roles e identidades. La Sociedad Enmascarada es la sociedad del miedo, pero también de lo grotesco y lo irracional, que será manifestado en esta exposición a través del lenguaje del dibujo, la pintura y algún que otro delirio. No olvides tu máscara.

Vicente Aguado (Valencia, 1980) es Licenciado en Bellas Artes y Master en Producción Artística, especialidad en Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual, por la Universidad Politécnica de Valencia.

En 2016 es seleccionado para el PAM! y el PAM!PAM!, donde expone en el CCCC de Valencia. Ese mismo año es seleccionado en la última convocatoria del 3PCMCV, donde produce y exhibe su proyecto Loterías y Pecados del Estado, que se presenta en Alicante (Lonja del Pescado) y en Valencia (CCCC). Al año siguiente, participa en la residencia artística Aquemarropa, donde expone su trabajo #pizzagate.

A finales de 2017 viaja a Edimburgo (Escocia), donde trabaja a tiempo completo como artista, siendo premiado en el Scottish Portrait Award, exponiendo y trabajando en proyectos con la National Galleries of Scotland, además de mostrar su trabajo en Bloc Gallery o C.A.S.

De vuelta a Valencia, ya en 2021, se adentra de lleno en su producción gráfica, siendo seleccionado para participar en la muestra organizada por la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana y el CCCC, titulada R.E.A y más recientemente, en la exposición Orden y Desorden, comisariada por Makma y expuesta en el MuVIM. También ha trabajado exponiendo una muestra individual en el espacio alternativo Fantastik Lab, titulada La Fórmula y ha colaborado en el número tres de la revista Nostromo, editada por Alberto Adsuara.

Actualmente, acaba de hacer sold out con su primera colección de NFT´s y se encuentra preparando la siguiente, que saldrá a mediados de 2022.

Masked Society podrá visitarse del 3 de marzo al 2 de abril en el horario habitual de Lanevera Gallery

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Taller de estampación de Totebags: Una Mesa en Lanevera

Con motivo de la última jornada de la exposición de Una Mesa en Lanevera Gallery hemos querido realizar una última sesión de estampación y aprovechar para ver el mural TERMINADO.

Ven a estampar tu propia Totebag de 340 g. con los motivos de la exposición “Una Mesa en Lanevera” haciendo tu propia composición o siguiendo los pasos que hemos preparado con diseños ya definidos.

Viernes 25 de Febrero

1er turno:
de 16:00 a 17:30
2 do turno
de 18:00 a 19:30

Precio 30 €, más info y reservas aquí

  • Todos los materiales incluidos.
  • Plazas bastante limitadas.
  • La foto es típico mockup utilizado por to dios.
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Nueva edición del Totes a Tutti

Nuestro taller más exitoso vuelve a nuestro calendario por votación popular.

Esto no es un curso, es un taller lúdico, para pasarlo teta con la excusa de la serigrafía. Diseñaremos y estamparemos nuestras propias tote bags para ser la envidia de la playa o la montaña.

Haremos el diseño, elaboraremos el fotolito, lo pasaremos a una pantalla y la estamparemos en varias bolsas.

El taller dura 4 horas y tendrá lugar el sábado 12 de febrero de 2022 de 10:00 a 14:00

Plazas: 7 seres humanos, u 8 si me apuras mucho.
Precio: 60€, 55€ si te apuntas antes del 28 de enero de 2022

IMPORTANTE:

El material de este taller se prepara con antelación, no aceptaremos reservas posteriores al 5 de febrero de 2022

PROGRAMA

Haremos un fotolito recortando fotolitos usados y dibujando con rotuladores en un acetato que usaremos para hacer una pantalla con la que imprimiremos en tote bag crudas. Al finalizar el taller, podremos intercambiar bolsas con los compañeros y así llevarnos varios modelos además del nuestro.

¡¡¡4 horas de creatividad al 200%!!!

Materiales incluidos, por supuesto. APÚNTATE AQUÍ

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Una Mesa en Lanevera

del 20 de enero al 25 de febrero de 2022

Lanevera Ediciones presenta la segunda edición de la Residencia Lanevera con la participación de Una Mesa.

Elena López (València, 1984) se gradúa en Bellas Artes estudiando en las facultades de València, Oporto y Barcelona. Sin centrarse en un solo lenguaje, Una Mesa desarrolla su obra en ámbitos artísticos tan variados como la escultura, la escenografía, la fotografía, la ilustración o la pintura.

Ha participado en varias exposiciones colectivas en Madrid, Los Ángeles o San José, Costa Rica, y también ha realizado exposiciones individuales en galerías de Barcelona como El Diluvio Universal o Miscelanea.

En 2013 arranca el proyecto editorial y estudio de impresión en risografía Lentejas Press en Barcelona. Se centra en mostrar el trabajo de nuevos ilustradores relacionándolos con técnicas de impresión alternativas como la risografía y participando en todo el proceso de creación, desde la idea hasta la impresión y acabados de las publicaciones, revistas y fanzines.

En 2018 regresa a València y se alía con el artista urbano Nero para pasarse a los imponentes formatos de la pintura mural, desarrollando juntos un lenguaje gráfico común.

Poco después se adentra en el mundo de la cerámica y desde entonces su interés por este ámbito no ha hecho más que aumentar. Su obra cerámica gira en torno a la dialéctica entre arte y funcionalidad.

Su actividad artística la compagina con la docencia; desde los talleres que impartía en su estudio en Barcelona o el módulo de Autoedición y Sistemas de impresión en la Escuela Idep hasta las asignaturas de Visual Arts y Tecnología de secundaria en el colegio Larrodé de Catarroja.

Actualmente trabaja en su taller en el centro de València, Plou Estudi, donde desarrolla proyectos pictóricos y cerámicos y lleva a cabo colaboraciones con otros artistas de la ciudad, impartiendo también cursos y workshops.

En la residencia artística, Lanevera Ediciones le ofrece a Elena la posibilidad de desarrollar un proyecto serigráfico en el que, además de prestar sus instalaciones, Lanevera aporta todo el material necesario para la producción, así como la tutorización en todo momento de los procedimientos técnicos, dejando al mismo tiempo a Una Mesa total libertad creativa.

Elena ha desarrollado una serie de serigrafías que parten de la experimentación técnica; desde el obturado directo de la pantalla al proceso fotomecánico con positivos manuales y la estampación fragmentada de las formas impresoras. Todo siguiendo una paleta cromática muy representativa de su obra y un lenguaje gráfico que vertebra toda esta investigación dotándola de una unidad visual y conceptual completa.

El resultado de esta residencia artística verá la luz en la exposición Una Mesa en Lanevera que tendrá lugar del 20 de enero al 25 de febrero en Lanevera Gallery.

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Pattern Chineso: Falso Pop

del 16 de diciembre de 2021 al 15 de enero de 2022

En el taller de Pattern Chineso hay una caja con bolsas de bodegones de frutas. Una imagen del costumbrismo del hogar y la compra. Ahora esta misma es una de las ideas más repetidas en Instagram, que difunde productos, estilos de vida y personajes desde el bodegón como herramienta de marketing.

Es una muestra de la cotidianidad ideal y un toque de atención para ¿diferenciar- se o formar parte? “Consume y obedece”, sé como yo, poseo cosas bonitas, sé llamar tu atención con lo que soy a través de lo que tengo.

La inmediatez de las redes transforma la naturaleza muerta, de ser un reflejo de la vida cotidiana a ser un espejo a la idealización de la misma. Parece un registro artístico inestable, que se presenta como una exaltación del objeto inanimado, puede que tan absurda como los bodegones de Liechtenstein en el arte pop, que exponía en la pared del museo objetos del comportamiento de entonces y de ahora, elevados a iconos del arte contemporáneo.

Las publicaciones de las redes, la distribución en masa del pop y la diversificación a la que se prestó, sitúan el bodegón como una herramienta popular para llegar a las masas. En la decadencia de serlo y el significado de cómo traspasa el elitismo de la pared de un museo, un lugar que quiere la exposición, pero ¿que no desea estar al alcance de todos?

El objeto inanimado, fabricado en serie, protagoniza los deseos, la inspiración y el momento vivo actual, así como lo hizo Brillo o la Sopa Campbell. “La mesa está puesta para el ojo, no toque”, un instante cotidiano colocado para que el ojo disfrute, o para que sientas que tú también eres el que vive la escena admirada, de la vida de alguien.

La repetición de la naturaleza muerta, como patrón para la estandarización del consumo en su rueda. Esta misma era pintada por los egipcios reproduciendo su entorno desde la perfección, y por Warhol, objetos inanimados, distorsionados por el marketing, que convencieron a las masas. De la misma forma que nos ponemos a la cola ante las escenas inalcanzables expuestas en Internet. La tecnología ha modificado la esencia de nuestro entorno, convirtiendo en inanimado el día a día, exponiéndolo como una naturaleza muerta.

Siguiendo la cultura del Pop; en nuestro caso falseándolo, y los inicios de la publicidad purista plasmada en murales de fachadas de edificios desde los años 40, decidimos colaborar con el artista valenciano César Goce. Pintor urbano originario del mundo del grafiti, que fusiona técnicas clásicas con el uso de recursos y temáticas contemporáneas. Su trabajo combina intervenciones en espacios urbanos con el trabajo de estudio, en este caso galería, donde centra su atención en la experimentación y el disfrute.

Esta muestra multimedia donde veremos, además de serigrafía experimental, instalación, escultura, video y pintura, podremos descubrir algunos detalles de la fase de «work-in-progress» de un próximo proyecto a gran escala planteado para la ciudad de Valencia capital del Diseño 2022.

La exposición se inaugurará el próximo jueves día 16 de diciembre a las 19:00 horas y podrá visitarse hasta el día 15 de enero de 2022 en el horario habitual.