Categoría: Gallery

21 de septiembre a las 19:00

El próximo jueves 21 de septiembre Lanevera Gallery inaugura la exposición con el artista Toni Cuatrero y su muestra titulada «Especie en escisión»

Nacido en tierras alicantinas a finales de los ochenta, y más concretamente en el pueblo de Sant Joan d’Alacant, Toni Cuatrero tenía muchas papeletas para caer en el mundo del grafiti. En él iniciará su carrera como artista, y por qué no decirlo, también como persona. Porque para nuestra generación crecer en el Hip Hop significó mucho más que desarrollar una disciplina particular: en los años noventa esta cultura implicaba colectividad, interdisciplinariedad artística, vida de calle y conciencia de clase.

Sobre este suelo abonado Toni se forma primero como diseñador gráfico en Alicante y después como artista en Valencia, donde cursará una licenciatura en Bellas Artes que le abrirá la tierra fecunda y de la que brotará la vertiente plástica que ha desarrollado hasta el día de hoy.
Licenciado y de vuelta a su pueblo, Toni va evolucionando sus iniciales Cuatreros —personajes que alternaban humor y crítica política— hacia formas más sintéticas y simbólicas de significados más abiertos, aunque siempre con un fondo discursivo tras ellas. En lo formal su pintura también ha ido moviéndose progresivamente del acabado de corte limpio a la textura abierta y la búsqueda de la presencia de los materiales, visible en la presente muestra en el uso de barras de óleo o el bordado japonés.

Toni Cuatrero se estrena en La Nevera Ediciones con “Especie en Escisión”, una exposición sobre la especie humana y sus devenires civilizatorios. A través de una narrativa de trazos arcaicos, sus obras expresan la contraposición como constante antropológica, tanto en la forma –especie– como en el fondo –historia–, y apunta hacia la tendencia del ser humano a escindirse de la naturaleza y de sí mismo. A través de una simbología propia el artista aborda algunas de las problemáticas del mundo contemporáneo y de sus clases populares.

del 9 de febrero al 25 de marzo

El interés por las vanguardias históricas de principios
del siglo XX y la escuela de la Bauhaus ha estado presente en la obra de Israel Pinilla
(València, 1980) desde sus comienzos en el mundo del grafiti y la pintura mural, hace más
de veinte años. Con el paso del tiempo, sus piezas de calle fueron evolucionando hacia un
estilo muy personal, cada vez más pictórico y abstracto. Un estilo en el que generalmente
hace uso de las formas geométricas y la tipografía propia de las vanguardias, y que
tampoco es ajena a la vertiente profesional de Israel Pinilla como artista gráfico.
Poco a poco, el pincel y el rodillo fueron comiendo terreno al spray en esas piezas murales
firmadas con el pseudónimo OVE y perteneciente al colectivo o crew YES. Ahora, de la
mano de la Lanevera Gallery (calle Puerto Rico, 46), el artista valenciano presenta una
serie de láminas serigrafiadas de gran formato con las que se posiciona de forma
definitiva como artista plástico bajo el nombre de Oveism.
La exposición, titulada “Ritual de cambio”, nace en el seno de la III Residencia Artística de
Lanevera ediciones, a la que Israel Pinilla fue convocado como artista invitado. Las seis
piezas de 100 x 70 cm que integran la muestra son ejercicios de experimentación
serigráfica (monotipos, estampación en arcoíris, pintura directa a pantalla perdida)
aplicados a una serie de máscaras, símbolos y siluetas más o menos abstractas que el
artista utiliza como “fetiches de protección” ante las inquietudes internas y externas que
experimenta durante una crisis personal o periodo de cambio.
Esta idea de la simbología como herramienta curativa está inspirada a su vez en el arte
decorativo Huichol, una tradición ancestral utilizada por las tribus de los huicholes
asentados en las áreas montañosas del norte de Jalisco (México) desde tiempos
precolombinos. En su origen, los “fetiches de protección” de los huicholes eran figuras
creadas de forma casi inconsciente durante los rituales chamánicos en los que
consumían sustancias psicotrópicas como método de purificación espiritual.

En el caso de Oveism, las imágenes son representaciones de estados de ánimo,
situaciones y siluetas que funcionan como herramientas de evasión para atravesar los
momentos de cambio. Formas y colores que no surgen de la planificación, sino que tratan
de expresar ideas subconscientes a través de un método de creación intuitiva y
automática.
La exposición se inaugura el próximo jueves 9 de febrero a partir de las 19h y podrá
visitarse hasta el 25 de Marzo de 2023.

Sobre las residencias artísticas de Lanevera
Lanevera Ediciones es un taller de serigrafía artesanal situado en el barrio de Russafa de

València donde conviven diferentes formas de difusión de la práctica artística. El espacio
está enfocado a la producción y venta de material gráfico, especialmente la serigrafía.
También cuenta con un apartado de docencia donde se desarrollan proyectos, con tantas
formas diferentes de trabajar como el alumnado necesite. El espacio se completa con una
galería artística enfocada a difundir algunas de las propuestas más interesantes del
panorama gráfico actual.
Con la finalidad de impulsar la creación artística, enfocada a las artes grafico-plásticas
relacionadas con la práctica y técnica de la serigrafía, Lanevera Ediciones desarrolla
desde 2021 una iniciativa con la que aunar el taller de serigrafía y la zona expositiva: Las
Residencias Lanevera.
Las residencias están enfocadas exclusivamente a la producción de obra en serigrafía,
con diferentes procesos para la obtención de las matrices y utilizando diversidad de
soportes, desde la producción más clásica y ortodoxa hasta los procedimientos más
complejos y experimentales.

Fecha de inauguración: jueves 9 de febrero a partir de las 19h.
Lugar: Lanevera Ediciones. C/ Puerto Rico 46b derecha

Del 15 de septiembre al 5 de noviembre de 2022

Lanevera Ediciones es un taller de serigrafía artesanal ubicado en el barrio de Ruzafa, València. Especializados en la producción, venta y difusión de obra gráfica de artistas locales, compaginan su actividad con la docencia de la técnica serigráfica. El taller lo integran Rafa Mölck (València, 1986) y Jussi Folch (Alcàsser, 1982), ambos licenciados en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, donde se conocieron y empezaron a aunar fuerzas desde el primer día.

La muestra reúne trabajos realizados en el taller de Lanevera Ediciones desde 2019 hasta 2022 continuando con el espíritu de la exposición «Ilustración y serigrafía» que tuvo lugar en diciembre de 2018, que también mostraba los trabajos realizados hasta entonces en Lanevera Ediciones y que supuso en parte el germen de Lanevera Gallery.

Al igual que en aquella ocasión, tendremos la oportunidad de contemplar obra gráfica realizada tanto por Lanevera Ediciones como por alumnos suyos de los últimos años.

Podremos encontrar la obra de más de una veintena de artistas entre los que podemos destacar a los habituales y no tan habituales de la casa como pueden ser Lawerta, Coté Escrivá, Una Mesa, Esteso, Miguel Monkc, Rei.Kwk. Victor Visa, Pattern Chineso, Fátima Bravo, Javier Tortosa, Jotaká, Mik Baro, Jorge Romero, Peter Duffin, Ana Villalgordo, Yolanda Herrer, Vicente Aguado, Jussi Folch, Khu Khu London…

«El fondo de Lanevera» podrá ser visitada a partir del próximo jueves 15 de septiembre a las 19:00h y hasta el día 5 de noviembre de 2022 en le horario habitual de la galería: de lunes a viernes de 10 a 14 y de 16 a 20 h y los sábados de 10 a 14h.

Rosalía no actuará ni seguramente se pase a ver la exposición de la que no está al tanto.

del 2 de junio al 30 de julio de 2022

Víctor Visa, quien inaugurara Lanevera Gallery con su primera exposición en 2019 e iniciara así un nuevo ciclo en el espacio que dirigen Rafa Mölck y Jussi Folch, vuelve el próximo 2 de junio con la muestra “No es para tanto”.

Licenciado en Bellas Artes por la UPV y Máster en Producción Artística, Visa ha ido dirigiendo su trabajo, desde aquella primera “Lugares comunes”, hacia el campo de la ilustración más puro, realizando encargos como: la imagen gráfica del Teatre Escalante, la Plaça del Llibre o la parada de metro de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, entre otros. Además, se ha introducido -y de qué manera- en el mundo de las fallas artísticas junto a Javier García, recogiendo el testigo familiar de García Ribas, pero con innovación y estilo propio. 

En “No es para tanto,” volveremos a encontrar espacios físicos e indeterminados, paisajes de corte surrealista y descontextualización de objetos y personajes que hablan de inercia colectiva y de falta de pensamiento crítico. 

Además de sus obras en técnica mixta sobre papel y en varios formatos, esta vez Visa nos ofrece serigrafías realizadas en el propio taller de Lanevera Ediciones. El mismo día de la inauguración, habrá un punto de estampación en el que observar y conocer de cerca esta técnica de reproducción de la obra de arte en serie y de manera artesanal. Junto a dibujos, pinturas y serigrafías, Visa expondrá sus primeras esculturas, realizadas a base de formas muy primarias, con las que continúa en su intención de frivolizar los símbolos.

La inauguración tendrá lugar el jueves 2 de junio a las 19:00h y la muestra podrá ser visitadas hasta el día 30 de julio en el horario habitual de la galería, aunque recomendamos venir por la mañana para no morir de calor.

del 13 al 28 de mayo de 2022

Fátima Bravo es una diseñadora e ilustradora portuguesa. Licenciada en Diseño de Comunicación por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Oporto (2013-2017), en 2018 se mudó a España. Estuvo realizando sus prácticas en el estudio y taller de serigrafía Lanevera Ediciones, lo que le ayudó a profundizar en el terreno de la ilustración. En ese mismo año se trasladó a Barcelona para estudiar Ilustración Digital en el Centro Universitario de Diseño de Barcelona BAU.

El próximo viernes 13 de mayo, Fátima Bravo inaugurará su primera exposición en València, en Lanevera Gallery, bajo el título de “She”.

“She” es una exposición en la que, como su propio nombre indica, “ella” es la protagonista. Pero ¿quién es “ella”? En realidad, existen dos “ellas”: la mujer y la naturaleza. Esta conexión es pieza fundamental en la obra de Bravo estando siempre muy presente en sus interpretaciones, pero también en su búsqueda por explorar nuevas técnicas y materiales durante el proceso creativo. 

Bravo nos invita a mirar las obras desde estas dos perspectivas, primero tomando a la mujer como protagonista y después a la naturaleza, haciendo que nos cuestionemos si su separación puede llegar a ser posible. 

Aunque se dedica prácticamente a la Ilustración, Bravo se deja influir mucho por el Diseño, tratando siempre de combinar lo mejor de las dos disciplinas en sus obras. El gusto por la naturaleza y el mundo animal es su mayor motivación a la hora de dibujar. 

“She” estará expuesta en Lanevera Gallery hasta el 28 de mayo y podrá ser visitada en horario habitual de la galería. 

SACS va ligado a los productos comercializados a granel. Una exposición de sacos diseñados e ilustrados con diferentes estilos que, juntos, forman un universo entre pop y tradicional.

Pocas miradas se detienen a observar los diseños que estos sacos tienen estampados. Los productos que se venden en grandes cantidades parecen, por su idiosincrasia, estar menos cuidadas, pero en muchas ocasiones están diseñadas con ingenio y mucho cariño.

¿Se va a detener un albañil a observar el diseño de un saco de arena o de cemento? ¿O un repartidor que tenga que descargar kilos y kilos de sacos de arroz? Ya es suficiente con cargarlos.

Con estos sacos reposados y alejados de la mera funcionalidad, podemos hacer el ejercicio de apreciar su (virtud) estética.

Influenciado por los packagings y los letreros más tradicionales, Alepuz cubrirá las paredes de una galería de arte con detalles de nuestra cotidianidad que no solemos percibir.

El diseño y el buen gusto también pueden estar en los sitios donde nadie espera que miremos.

Enric Alepuz

Enric Alepuz (1986) es diseñador gráfico e ilustrador que vive y desarrolla su trabajo en València. Además de músico-baterista de los grupos Gener y Tórtel, es el director de arte de Tattoonie Temporary Tattoos, diseñador freelance, ilustrador de NFTs, y creador y diseñador de la marca de ropa Multi Love, nombre con el que se presenta en esta exposición.
Su estilo gráfico varía entre el concepto retro, el pop y lo freak. Sin encasillarse en una técnica concreta, Alepuz se va nutriendo del imaginario popular que le rodea, pero también del que le acompaña desde la infancia, intentando ubicar su mirada en aquellos lugares y cosas que resultan inadvertidos para ponerlos en valor.
La muestra “SACS” está basada en la estética y en la reflexión de la marca Multi Love. Con esta primera exposición, Alepuz nos ofrece su peculiar forma de trabajo.
La exposición podrá ser visitada desde el 7de abril hasta el 6 de mayo en el horario habitual de Lanevera Gallery.

Del 3 de marzo al 2 de abril de 2022

Masked Society (Sociedad Enmascarada) es un ejercicio reflexivo y crítico sobre el cambio drástico que está sufriendo la sociedad actual y que señala ciertos aspectos que, de una forma un tanto extraña y siniestra, se han hecho normales en nuestro comportamiento y en nuestra forma de relacionarnos con los demás. Tanto en el aspecto formal como en el conceptual, las máscaras ocultan, pero también destapan y otorgan nuevos roles e identidades. La Sociedad Enmascarada es la sociedad del miedo, pero también de lo grotesco y lo irracional, que será manifestado en esta exposición a través del lenguaje del dibujo, la pintura y algún que otro delirio. No olvides tu máscara.

Vicente Aguado (Valencia, 1980) es Licenciado en Bellas Artes y Master en Producción Artística, especialidad en Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual, por la Universidad Politécnica de Valencia.

En 2016 es seleccionado para el PAM! y el PAM!PAM!, donde expone en el CCCC de Valencia. Ese mismo año es seleccionado en la última convocatoria del 3PCMCV, donde produce y exhibe su proyecto Loterías y Pecados del Estado, que se presenta en Alicante (Lonja del Pescado) y en Valencia (CCCC). Al año siguiente, participa en la residencia artística Aquemarropa, donde expone su trabajo #pizzagate.

A finales de 2017 viaja a Edimburgo (Escocia), donde trabaja a tiempo completo como artista, siendo premiado en el Scottish Portrait Award, exponiendo y trabajando en proyectos con la National Galleries of Scotland, además de mostrar su trabajo en Bloc Gallery o C.A.S.

De vuelta a Valencia, ya en 2021, se adentra de lleno en su producción gráfica, siendo seleccionado para participar en la muestra organizada por la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana y el CCCC, titulada R.E.A y más recientemente, en la exposición Orden y Desorden, comisariada por Makma y expuesta en el MuVIM. También ha trabajado exponiendo una muestra individual en el espacio alternativo Fantastik Lab, titulada La Fórmula y ha colaborado en el número tres de la revista Nostromo, editada por Alberto Adsuara.

Actualmente, acaba de hacer sold out con su primera colección de NFT´s y se encuentra preparando la siguiente, que saldrá a mediados de 2022.

Masked Society podrá visitarse del 3 de marzo al 2 de abril en el horario habitual de Lanevera Gallery

del 20 de enero al 25 de febrero de 2022

Lanevera Ediciones presenta la segunda edición de la Residencia Lanevera con la participación de Una Mesa.

Elena López (València, 1984) se gradúa en Bellas Artes estudiando en las facultades de València, Oporto y Barcelona. Sin centrarse en un solo lenguaje, Una Mesa desarrolla su obra en ámbitos artísticos tan variados como la escultura, la escenografía, la fotografía, la ilustración o la pintura.

Ha participado en varias exposiciones colectivas en Madrid, Los Ángeles o San José, Costa Rica, y también ha realizado exposiciones individuales en galerías de Barcelona como El Diluvio Universal o Miscelanea.

En 2013 arranca el proyecto editorial y estudio de impresión en risografía Lentejas Press en Barcelona. Se centra en mostrar el trabajo de nuevos ilustradores relacionándolos con técnicas de impresión alternativas como la risografía y participando en todo el proceso de creación, desde la idea hasta la impresión y acabados de las publicaciones, revistas y fanzines.

En 2018 regresa a València y se alía con el artista urbano Nero para pasarse a los imponentes formatos de la pintura mural, desarrollando juntos un lenguaje gráfico común.

Poco después se adentra en el mundo de la cerámica y desde entonces su interés por este ámbito no ha hecho más que aumentar. Su obra cerámica gira en torno a la dialéctica entre arte y funcionalidad.

Su actividad artística la compagina con la docencia; desde los talleres que impartía en su estudio en Barcelona o el módulo de Autoedición y Sistemas de impresión en la Escuela Idep hasta las asignaturas de Visual Arts y Tecnología de secundaria en el colegio Larrodé de Catarroja.

Actualmente trabaja en su taller en el centro de València, Plou Estudi, donde desarrolla proyectos pictóricos y cerámicos y lleva a cabo colaboraciones con otros artistas de la ciudad, impartiendo también cursos y workshops.

En la residencia artística, Lanevera Ediciones le ofrece a Elena la posibilidad de desarrollar un proyecto serigráfico en el que, además de prestar sus instalaciones, Lanevera aporta todo el material necesario para la producción, así como la tutorización en todo momento de los procedimientos técnicos, dejando al mismo tiempo a Una Mesa total libertad creativa.

Elena ha desarrollado una serie de serigrafías que parten de la experimentación técnica; desde el obturado directo de la pantalla al proceso fotomecánico con positivos manuales y la estampación fragmentada de las formas impresoras. Todo siguiendo una paleta cromática muy representativa de su obra y un lenguaje gráfico que vertebra toda esta investigación dotándola de una unidad visual y conceptual completa.

El resultado de esta residencia artística verá la luz en la exposición Una Mesa en Lanevera que tendrá lugar del 20 de enero al 25 de febrero en Lanevera Gallery.

del 16 de diciembre de 2021 al 15 de enero de 2022

En el taller de Pattern Chineso hay una caja con bolsas de bodegones de frutas. Una imagen del costumbrismo del hogar y la compra. Ahora esta misma es una de las ideas más repetidas en Instagram, que difunde productos, estilos de vida y personajes desde el bodegón como herramienta de marketing.

Es una muestra de la cotidianidad ideal y un toque de atención para ¿diferenciar- se o formar parte? “Consume y obedece”, sé como yo, poseo cosas bonitas, sé llamar tu atención con lo que soy a través de lo que tengo.

La inmediatez de las redes transforma la naturaleza muerta, de ser un reflejo de la vida cotidiana a ser un espejo a la idealización de la misma. Parece un registro artístico inestable, que se presenta como una exaltación del objeto inanimado, puede que tan absurda como los bodegones de Liechtenstein en el arte pop, que exponía en la pared del museo objetos del comportamiento de entonces y de ahora, elevados a iconos del arte contemporáneo.

Las publicaciones de las redes, la distribución en masa del pop y la diversificación a la que se prestó, sitúan el bodegón como una herramienta popular para llegar a las masas. En la decadencia de serlo y el significado de cómo traspasa el elitismo de la pared de un museo, un lugar que quiere la exposición, pero ¿que no desea estar al alcance de todos?

El objeto inanimado, fabricado en serie, protagoniza los deseos, la inspiración y el momento vivo actual, así como lo hizo Brillo o la Sopa Campbell. “La mesa está puesta para el ojo, no toque”, un instante cotidiano colocado para que el ojo disfrute, o para que sientas que tú también eres el que vive la escena admirada, de la vida de alguien.

La repetición de la naturaleza muerta, como patrón para la estandarización del consumo en su rueda. Esta misma era pintada por los egipcios reproduciendo su entorno desde la perfección, y por Warhol, objetos inanimados, distorsionados por el marketing, que convencieron a las masas. De la misma forma que nos ponemos a la cola ante las escenas inalcanzables expuestas en Internet. La tecnología ha modificado la esencia de nuestro entorno, convirtiendo en inanimado el día a día, exponiéndolo como una naturaleza muerta.

Siguiendo la cultura del Pop; en nuestro caso falseándolo, y los inicios de la publicidad purista plasmada en murales de fachadas de edificios desde los años 40, decidimos colaborar con el artista valenciano César Goce. Pintor urbano originario del mundo del grafiti, que fusiona técnicas clásicas con el uso de recursos y temáticas contemporáneas. Su trabajo combina intervenciones en espacios urbanos con el trabajo de estudio, en este caso galería, donde centra su atención en la experimentación y el disfrute.

Esta muestra multimedia donde veremos, además de serigrafía experimental, instalación, escultura, video y pintura, podremos descubrir algunos detalles de la fase de «work-in-progress» de un próximo proyecto a gran escala planteado para la ciudad de Valencia capital del Diseño 2022.

La exposición se inaugurará el próximo jueves día 16 de diciembre a las 19:00 horas y podrá visitarse hasta el día 15 de enero de 2022 en el horario habitual.